El Museo de la Universidad de Alicante (MUA) mantiene desde su creaci\u00f3n un decidido compromiso con el arte contempor\u00e1neo. Fruto de esta apuesta nacieron en 2015 sus Residencias una convocatoria p\u00fablica e internacional con el objetivo de promover la creaci\u00f3n, estimular la investigaci\u00f3n en artes visuales y dinamizar el sector del arte contempor\u00e1neo.<\/p>\n
En cada edici\u00f3n de las residencias, se seleccionan cinco proyectos art\u00edsticos para ser desarrollados durante dos semanas en las instalaciones del museo, gracias a unas becas de producci\u00f3n y desplazamiento. Durante este periodo, los residentes tienen la oportunidad de convivir y trabajar en el MUA, imbuirse en la din\u00e1mica del museo y recibir asesoramiento del personal t\u00e9cnico para dar forma a sus proyectos.<\/p>\n
Este 2025 presentamos la und\u00e9cima edici\u00f3n de las residencias que han tenido lugar entre el 8 y el 19 de septiembre, consolidando una iniciativa que convierte al MUA en un centro de referencia en producci\u00f3n e investigaci\u00f3n en arte contempor\u00e1neo. Los cinco proyectos seleccionados han sido El eterno femenino de Luc\u00eda Cassiraga, The Construction of the Word de Beatriz Freire, BIND de Lydia Plaza, Ad\u2019d\u00e2d. El enga\u00f1o de la ortiga de Andr\u00e9s Rivas y El amor va por encima del mar de Laura Salvador. Obras de cinco artistas j\u00f3venes que, durante este breve periodo de tiempo, han compartido experiencias y han focalizado todos sus esfuerzos en dar forma a sus proyectos art\u00edsticos que hoy se presentan en el Sala Sempere del MUA. <\/p>\n
Esperamos que disfruten de esta muestra y se dejen arrastrar por los m\u00faltiples horizontes creativos que nos ofrece el arte en la actualidad.<\/p>\n
Luci\u0301a Cassiraga<\/b>
\nEl eterno femenino<\/p>\n
El proyecto \u00abEl eterno femenino\u00bb se plantea como un atlas visual y conceptual que cuestiona la iconograf\u00eda asociada a la noci\u00f3n del eterno femenino. Esta idea, formulada en el siglo XIX, se ha consolidado como un mito sociocultural que proyecta sobre las mujeres una esencia universal y atemporal ligada a la pureza, la pasividad o la delicadeza. Sin embargo, m\u00e1s que describir realidades, estas representaciones han funcionado como ficciones de control, construidas hist\u00f3ricamente desde la mirada masculina y reproducidas en el arte, la religi\u00f3n, la moral y la ciencia. El proyecto propone una reescritura cr\u00edtica de estas narrativas, articulada mediante pinturas, fotomontajes e intervenciones fotogr\u00e1ficas en un archivo expandido, siendo concebida como una constelaci\u00f3n abierta y no jer\u00e1rquica. Frente al concepto de \u201cutop\u00eda\u201d, entendido por Michel Foucault como ese espacio irreal que enmascara y organiza lo real, el atlas re\u00fane imaginarios donde las mujeres son narradas, no como objeto de proyecci\u00f3n, sino como sujeto de significaci\u00f3n.<\/p>\n
Beatriz Freire<\/b>
\nThe Construction of the Word<\/p>\n
The Construction of the Word es una instalaci\u00f3n textil que plantea el lenguaje como un tejido inestable, fluido y en constante evoluci\u00f3n, permeable a ideolog\u00edas, contextos y territorios. M\u00e1s que un c\u00f3digo fijo, aparece como un proceso ambiguo y corporal, siempre abierto a la distorsi\u00f3n y a la relectura. Esta obra se construye a partir de un mismo gesto: bordar de forma continua una sola palabra, WORD. Esta funciona como un signo abierto, capaz de contener cualquier concepto. Su proximidad visual y sonora con WORLD sugiere que cada palabra es tambi\u00e9n un mundo, recordando que el lenguaje no solo construye sino tambi\u00e9n fragmenta la realidad que habitamos, y que esta, a su vez, condiciona los sentidos de las palabras. Aunque el gesto de bordar sea un continuo corp\u00f3reo, la materialidad de cada soporte transforma la forma y la legibilidad de la palabra bordada, evidenciando as\u00ed la mutabilidad e inestabilidad del lenguaje. La obra no oculta sus procesos: expone anversos, reversos y conexiones de hilo que atraviesan el espacio, invitando al p\u00fablico a recorrerla desde m\u00faltiples perspectivas. El hilo suspendido dibuja l\u00edneas flotantes que materializan el tr\u00e1nsito del lenguaje y su car\u00e1cter fragmentario y vivo.<\/p>\n
Lydia Plaza<\/b>
\nBIND<\/p>\n
El t\u00edtulo BIND (tr. \u2018\u2018atar\u2019\u2019, \u2018\u2018unir\u2019\u2019, \u2018\u2018apretar\u2019\u2019) referencia la palabra binder, nombre de la prenda que se utiliza para comprimir el pecho. El proyecto se construye a partir de la composici\u00f3n de formas, trazos, huecos o recortes que se unen en un espacio emocional: un paisaje corporal.<\/p>\n
Comprimir el pecho no es solo un gesto f\u00edsico, sino un acto cargado de significado. Implica esconder, reducir, neutralizar una parte del cuerpo para lograr una sensaci\u00f3n corporal determinada. Pero lo que ocurre no se queda en la superficie: el cuerpo comprimido genera una sensaci\u00f3n, a veces liberadora, a veces asfixiante. El torso, al volverse plano, parece volverse neutro. Un terreno vac\u00edo. Un espacio ambiguo. Una hoja en blanco.<\/p>\n
Esa neutralidad visual no lo vuelve ausente, sino que le da una presencia compleja: la construcci\u00f3n de un lugar donde habitar sin una forma definida. Confundir a quien mira. Confundir al mirarse. Vivir dentro de un molde que no ajusta. La relaci\u00f3n entre el cuerpo y el espacio se vuelve tensa, el peso del material se disuelve en el aire, y la intenci\u00f3n de la representaci\u00f3n visual es contenida.<\/p>\n
(conjug. c. tener. tr. \u2018\u2018Dicho de una cosa: llevar o encerrar dentro de s\u00ed otra.\u2019\u2019). <\/p>\n
Andr\u00e9s Rivas<\/b>
\nAd\u2019d\u00e2d. El enga\u00f1o de la ortiga.<\/p>\n
Los gram\u00e1ticos \u00e1rabes emplean el t\u00e9rmino ad\u00b4d\u00e2d para referirse a una palabra que, en su condici\u00f3n polis\u00e9mica, engloba dos opuestos (traducida generalmente al espa\u00f1ol como autoant\u00f3nimo): el t\u00e9rmino \u0312af\u0101, por ejemplo, significa tanto crecer o a\u00f1adir como borrar. Jam\u00e1s, desde el lat\u00edn, significa tanto \u201cnunca\u201d, como \u201csiempre\u201d.<\/p>\n
A nivel visual, conocemos tambi\u00e9n im\u00e1genes que comportan estas polisemias (aunque no sean como tal ant\u00f3nimos): ilusiones \u00f3pticas, dobles im\u00e1genes, etc.: el jarr\u00f3n de Rubin, las escaleras de Escher o la ilustraci\u00f3n de la joven y la vieja de William Ely Hill. Y adem\u00e1s de las im\u00e1genes y palabras, en la biolog\u00eda, a trav\u00e9s del camuflaje, el mimetismo y la mutaci\u00f3n, podemos observar tambi\u00e9n estas ambivalencias: hierbas malas que se parecen a \u201chierbas buenas\u201d para no ser arrancadas: el centeno (al parecerse al trigo) o la avena (a la cebada); o viceversa, cuando la ortiga blanca, inofensiva, se disfraza de ortiga urticante. Tambi\u00e9n hay todo un despliegue de dobles percepciones (venenoso-no venenoso, depredador-presa, etc.) en el reino animal.<\/p>\n
Mi propuesta asume la continuidad de estos mecanismos y se cuestiona acerca de cu\u00e1les son los procesos supuestamente opuestos dentro de la pr\u00e1ctica de la pintura, proponiendo peque\u00f1os quiebres donde lo contrario se complejice y se disperse.<\/p>\n
\u0639\u0641\u062a \u0627\u0644\u0631\u064a\u062d \u0627\u0644\u0622\u062b\u0627\u0631 (\u0622\u062b\u0627\u0631 \u0627\u0644\u062f\u064a\u0627\u0631)
\nel viento borr\u00f3 las huellas (las huellas de las casas)<\/p>\n
Laura Salvador<\/b>
\nEl amor va por encima del mar<\/p>\n
Este proyecto propone una experiencia situada en el Museo de la Universidad de Alicante (MUA), donde la percepci\u00f3n se activa a trav\u00e9s del cuerpo en di\u00e1logo con el espacio. La investigaci\u00f3n nace de un recuerdo en su primera visita al museo: la arquitectura le produjo un desajuste perceptivo que revel\u00f3 que los espacios, como las im\u00e1genes, no se entienden desde lo est\u00e1tico, sino desde la experiencia corporal y relacional.<\/p>\n
Durante la residencia, el proceso se guiar\u00e1 por la insistencia de im\u00e1genes y objetos que aparecen y reaparecen, reclamando atenci\u00f3n. El proyecto explora las relaciones entre objeto e imagen, lo que se muestra y lo que permanece oculto, y la manera en que el contacto con la materia activa memoria, deseo y v\u00ednculo. A partir de esta escucha se desarrollar\u00e1 una investigaci\u00f3n fotogr\u00e1fica y una recogida de restos y materiales del entorno pr\u00f3ximo al MUA, seleccionados desde la experiencia directa y la afectaci\u00f3n.<\/p>\n